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A primeira coleção doméstica de um estilista presta homenagem ao Haiti e a Nova York

A primeira coleção doméstica de um estilista presta homenagem ao Haiti e a Nova York

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Para muitas pessoas, o isolamento irregular imposto pela pandemia produziu uma crise de autoapresentação: o que devo vestir agora? Como eu quero ser visto? A nova exposição do artista Geoffrey Chadsey no Jack Shainman aborda esse enigma de frente em uma série de retratos grandiosos feitos a lápis de aquarela, embora sua exploração dessas questões tenha durado décadas. Seus temas mais recentes são compostos presos entre identidades: um homem negro com um chapéu de cowboy brotando membros extra brancos, uma figura andrógina em um terno vermelho ousado cutucando o peito até o decote, John F. Kennedy em almofadas de futebol. “Os desenhos são, de certa forma, sobre fotografia”, diz Chadsey, “como os homens projetam um senso de identidade por meio de autorretrato online. E então eu gosto quando consigo recombiná-los e acidentes acontecem.” Ele constrói seus esboços no Photoshop usando material encontrado, de revistas a fotos médicas de arquivo e fotos de policiais, antes de esboçar cada figura em mylar ou colar desenhos antigos. A fluidez de seu processo e de seus materiais espelha a escorregadia dos próprios sujeitos, que o artista compara jocosamente a bonecos de papel. “Há algo sobre essa imagem frontal total”, diz Chadsey, “essa figura solitária projetando um eu no mundo. Há um desejo de engajamento sobre o qual o espectador está um pouco incerto, quer ele queira ou não.” “Plus” está em exibição até 18 de junho, jackshainman. com.


“Quanto mais viajo, mais volto aos mesmos tipos de restaurantes: churrascarias icônicas”, diz o chef canadense Matty Matheson. A barulhenta personalidade gastronômica, que encontrou fama na Viceland e no YouTube ensinando o público a regar bifes ou caçar patos, aprendeu a cozinhar nos bistrôs franceses de Toronto e é co-proprietária de quatro restaurantes em Ontário. Seu mais recente, Prime Seafood Palace, é parcialmente inspirado em figuras da velha guarda como Peter Luger, de Nova York, e um amor de infância pela rede canadense The Keg, mas não há cabines de couro vermelho ou painéis escuros à vista: em vez disso, Matheson perguntou ao dinâmico arquiteto Omar Gandhi para construir uma arejada catedral de madeira na movimentada Queens Street West, em Toronto. Um teto de ripas de curvas de bordo branco de origem local para encontrar telas verticais de latão, dando a sensação de estar aninhado dentro de uma arca (ou talvez uma armadilha de lagosta muito luxuosa). Cabines personalizadas de couro de pêssego das mesas circulares da Coolican & Company com gavetas ocultas que seguram facas de bife Perceval reluzentes até que o porteiro chegue da cozinha aberta. Lá, frutos do mar do Atlântico, carne bovina de Ontário e produtos da Blue Goose Farm de Matheson, perto do Lago Erie, são cozidos em brasas de cerejeira. Ele reconhece que o ambiente elegante está um nível acima de seus primeiros dias como uma estrela de tela boba. “É uma justaposição no que as pessoas me percebem versus o que elas vão encontrar”, diz Matheson. “Tenho 40 anos agora, e o Prime Seafood Palace é um restaurante muito maduro, bonito e atencioso.” primeseafoodpalace.ca


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A marca de bolsas MZ Wallace, com sede no SoHo, colabora há mais de uma década com artistas de alto nível, como Raymond Pettibon, Kerry James Marshall, Njideka Akunyili Crosby e Glenn Ligon. O próximo é Nick Cave, o artista de Chicago conhecido por criar Soundsuits cinéticos que combinam escultura com arte performática. “Esses padrões não são apenas reproduções do meu trabalho em tecido”, diz Cave sobre as exuberantes flores, lantejoulas e botões impressos no tecido reciclado da sacola, “são clipes de imagens, remixadas como um DJ pode explorar o som”. O slogan na alça – “Truth Be Told” – é originário do trabalho público do artista de 2020, instalado pela primeira vez em Kinderhook, NY, que apresentava a frase em letras de vinil preto esticadas em uma fachada de 160 pés como resposta ao assassinato de Jorge Floyd. A bolsa foi lançada em conjunto com a retrospectiva de Cave, inaugurada este mês no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, e a receita de suas vendas beneficia os programas educacionais do museu, bem como a Facility Foundation, uma organização sem fins lucrativos liderada por Cave e seu parceiro e colaborador , Bob Faust, que oferece bolsas de estudo e oportunidades para artistas emergentes. $ 325, mzwallace. com e na loja MCA Chicago. “Nick Cave: Forothermore” está em exibição até 2 de outubro às MCA Chicago.


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Para sua primeira incursão em interiores, o estilista haitiano-americano Victor Glemaud olhou para sua própria casa em Nova York e as lembranças que contam sua história, incluindo uma imagem de si mesmo quando tinha 1 ano de idade, vestido com um short verde menta e botas brancas, cortando seu primeiro bolo de aniversário. “Essa foto é um reflexo da minha essência, e esta coleção foi uma oportunidade de dar vida a essa essência de uma nova maneira”, diz Glemaud, que é conhecido por suas malhas em tons alegres de rosa neon ou verde limão. Ele fez parceria com a conceituada casa de design Schumacher para a linha de tecidos, revestimentos de parede e guarnições, chamada Cul-De-Sac por Victor Glemaud, e os 14 padrões, cada um renderizado em até quatro cores ousadas, mas equilibradas, homenageiam seu haitiano herança e raízes de Nova York. Uma estampa chamada Toussaint Toile defende o libertador do Haiti, Toussaint L’Ouverture, ao lado de exuberantes folhas de palmeira e flores de hibisco, enquanto o Virginia Panel é um estilo geométrico característico dos anos 1970, com listras curvas em preto e branco. Muitas das estampas são nomeadas para as mulheres poderosas na vida de Glemaud, como a Fabienne, um floral tropical em vermelho escuro ou lilás pálido. Juntos, os padrões são evidências de – e materiais para – uma vida colorida. A partir de US$ 300, fschumacher. com.

Caminhando para o sul na Elizabeth Street, logo acima do Canal, você encontrará uma mensagem discreta em uma parede de tijolos que diz 2+2=8. Uma pintura de Tyree Guyton, com sede em Detroit, é uma espécie de introdução a uma instalação ao lado: dentro de uma pequena vitrine com janelas operada pela Martos Gallery, revendedora de Guyton, as paredes brancas são pintadas com relógios (um dos símbolos recorrentes do artista ), e em uma mesa coberta de detritos como uma TV velha, um jogo de chá e um pedaço de metal enferrujado, um grupo de manequins sujos sente-se como se fosse uma família devorando o jantar em plena vista do tráfego vindo da ponte de Manhattan nas proximidades. Durante grande parte de sua carreira, que começou na década de 1980, Guyton mostrou seu trabalho em um trecho da Heidelberg Street, em Detroit, onde cresceu. À medida que o trabalho de fabricação declinou e o bairro caiu em desuso, Guyton iniciou um ato pouco ortodoxo de preservação, transformando a área em um popular museu ao ar livre, enchendo terrenos baldios com esculturas e pinturas feitas de relíquias descartadas: bichos de pelúcia, tênis quebrados, carros capuzes, aspiradores quebrados. Este pequeno show de Nova York revela Guyton transcendendo e perpetuando a lenda de Heidelberg, e solidificando 2+2=8 como um tratado artístico. Se você olhar de perto o suficiente, qualquer coisa – seja o quarteirão em que você cresceu ou uma esquina movimentada de Nova York – pode ser um lugar de beleza e reflexão. “The Heidelberg Project, New York City” está em exibição 24 horas por dia, indefinidamente, em Martos After Dark, 167 Canal Street, martosgallery. com.


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